Aprovecho de enlazar con la entrada anterior, para enseñaros estos 2 bocetos realizados en el verano de 2001 durante un concierto del 2º Festival de Jazz de Boadilla del Monte, un hermoso pueblo de la Comunidad de Madrid.
Ambos dibujos fueron realizados durante la estupenda actuación que brindaron Jorge Pardo y Tomas San Miguel, dos de los mejores músicos de jazz que tenemos en España.
En estos sketches se pueden aprecian mejor que en el post anterior, los colores de las luces y la vegetación que vestían de fiesta el escenario al aire libre en los jardines del Palacio de Boadilla.
Bocetos en el Festival de Jazz de Boadilla del Monte
Junio 2001. Madrid
Tinta y acuarela sobre papel Guarro 130gr.
23x32,5 cm
Alejo Lopomo
Bocetos realizados en los jardines del Palacio de Boadilla del Monte, Madrid
Año 2002
Guache, aguada y tintas
Papel Guarro, cartulina: 23X32,5 cms
El XII Festival de Jazz de Boadilla 2011 que acaba de terminar (última semana de Octubre) no se ha celebrado al aire libre y con ese fondo espectacular de arboles que se puede apreciar en estos sketch`s.
El primer dibujo corresponde al escenario del 2002, que estaba en un espacio natural perteneciente a los jardines del precioso Palacio de Boadilla y que es donde comenzó a realizarse este Festival. En el segundo sketch podemos ver al Carmen Canela Quartet en plena actuación.
El asunto es que la música en ese marco de aromas naturales y con el cielo iluminado por miles de estrellas encima de nuestras cabezas, invitaba a dibujar y tirar unas manchas sobre un papel.
En el Festival de este año 2011 el entorno ya no era el mismo y la musica se había trasladado al interior de una sala muy comoda y muy bien diseñada. Sin duda, un excelente Auditorium. Hubieron pocos espectadores y ya nada invitaba a dibujar.
En este cuadro vemos la imagen luminosa de un individuo-músico que flota sobre la negra telaraña que forman los rostros de la sociedad.
El pintor se sirve de la libertad que provocan los ritmos del jazz para soltar sus brochas y expresar con soltura y espontaneidad su pensamiento respecto a lo que significa ser individuo o masa.
He aquí las dos esculturas que Pablo Picasso regaló al Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) y que -en estas fechas- se exhiben junto a 65 piezas relacionadas con estos trabajos en una expo titulada ``Picasso. Guitarras 1912-1914''. El año 1912 fue una época de gran productividad y experimentación para Picasso. Para crear la primera de sus esculturas, utilizó como materiales unos cartones doblados y recortados; algunos papeles pintados y varios trozos de cuerda que ensambló magistralmente para crear la imagen de una guitarra jamas imaginada ni concebida por artista alguno hasta ese entonces.
Dos años mas tarde, Picasso volvió a su guitarra; pero esta vez le dio forma con una lámina de metal. Ambas esculturas fueron donadas por Pablo Picasso al MoMA en los años 70, y hasta esta exposición neoyorquina, el publico solo las conocía por fotografías.
Los expertos opinan que estas creaciones representan un trascendental salto hacia adelante en la escultura moderna, que va desde la tradicional técnica del modelado a la novedosa técnica del ensamblaje que utilizó el genio de Málaga en sus 2 obras.
Guitarra de papel /Picasso / MoMA
Obra: Guitarra.
Cartón, cartulina, pintura. cuerdas.
65.1 x 33 x 19 cm.
Octubre–Diciembre 1912/ Paris.
The Museum of Modern Art, New York.
Pablo Picasso.
Perico de los Palotes tocando guitarra: Alejo Lopomo
Perico de los Palotes tocando guitarra es una obra creada con elementos de desecho y algunos desperdicios de la sociedad de consumo. Tal como las obras de Picasso, este es un trabajo de ensamblaje que nace del rescate de un arbusto seco, al que el artista da nueva vida convirtiéndole en un personaje orgánico con nombre y apellido.
Perico de los Palotes
tocando guitarra/ Lopomo
La raíz del arbusto se ha convertido en cabeza y el tronco en cuerpo. Las costillas, brazos y piernas -y también la guitarra- pertenecieron a la estructura de un canasto viejo condenado a muerte. Lleva gafas de desecho y una chupa de cuero nacida de un zapato roto.
Así es Perico de los Palotes, un guitarrista apenas insinuado y lleno de vida ajena.
Obra: Perico de los Palotes tocando Guitarra
Madera, tierra, cuero, cerámica, lentes de cristal)
Estos cuadros pintados en Fontainebleau, Francia, en 1921, dan termino al período del Cubismo Sintético del genio español Pablo Picasso, que enseguida evolucionará hacia una pintura más compleja y abstracta conocida como Cubismo Analítico y que explorará con sus colegas George Braque y Juan Gris entre otros.
Picasso realizo dos versiones de este cuadro. En la actualidad estas obras maestras del arte moderno se encuentran en Filadelfia y en el MoMA de Nueva York.
Las obras están realizadas con la técnica del collage y combinan fragmentos pegados y superficies pintadas sobre la tela. Durante este periodo, Picasso, simplifica las formas hasta convertirlas en elementos geométricos planos con los que jugará y compondrá sus cuadros . El espectador percibe la síntesis de una mirada compleja (con múltiples puntos de vista), ademas del concepto espacio y tiempo, omnipresentes en todos los cuadros cubistas. En ambas versiones de Los 3 músicos veremos al Arlequin, al Pierrot y al Fraile, representando a 2 de sus mejores amigos y al propio Picasso.
En la versión de Filadelfia, aparece Picasso autoretratado con un violín; El Pierrot de la flauta representa a su amigo el poeta Guillaume Apollinaire, que había fallecido tras volver de la guerra y el tercero es el músico fraile que representa a su amigo el poeta judío Max Jacob, que fue su fiel compañero durante los momentos difíciles de Paris.
En la obra de Nueva York, Picasso es el Arlequin que viste los colores de la bandera española y toca la guitarra. En esta versión pinta a otro amigo: un perro que está bajo la mesa.
La mirada que Picasso regala al arte en estas dos obras, es una mirada nueva y genial que abre los campos de la pintura y representa a la vanguardia mas absoluta de su tiempo.
Pimpampum Jazz es una improvisación pictórica resuelta con unos pocos brochazos sin dibujo previo. De ahí el nombre onomatopéyico del cuadro: Un poco de Jazz...¡ Pim, pam, pum!... y cuadro terminado.
Quiero llamar su atención en las imágenes que aparecen en esta obra. Lo que usted ve surgió de forma espontánea; probablemente aflorando desde el inconsciente. Muchos años después, personajes similares a estos han vuelto a aparecer en mis cuadros; pero esta vez, meditados y en contextos diferentes.
Para ver esta pintura he elegido un tema luminoso y alegre; pero sin congas, Así que les propongo que ese ritmo lo creen ustedes mismos con su imaginación, o si lo prefieren, toquen directamente junto a Stan Getz y Luiz Bonfa. Verán que el todo mejora notablemente... incluso el humor.
Cuando acabé de pintar el alma de la bella dama monstruosa que ya conocéis, me di cuenta de que los artistas, por muy creadores de belleza o de fealdad que seamos, somos también, gente de doble o triple cara según se mire. Por un lado presentamos una fachada exterior moldeable, que puede ir desde la belleza de una Gisselle Bounchen o un Brad Pritt por ejemplo, hasta el horripilante careto de un Pinochet o Jose Mº Ansar (que tienen el monstruo por fuera y por dentro); Y viviendo en el interior de todos nosotros, el vicioso y horrible engendro hacedor de arte y putadas que he pintado aquí. En algunos seres también habita un angelito bondadoso; pero en ningún caso dentro de curas, militares y políticos que solo tienen el monstruo cuentista y un careto engañabobos.
Esta claro que en Blue Moon, aparece la verdadera cara de las personas. Aquella que esta escondida detrás de las falsas sonrisas y de los hechos inconfesables… Para entenderlo mejor, usted piense en grandes creadores como Charlie Parker; Bud Powell; Miles Davis; Paul Gauguin; Pablo Picasso o Chet Baker, que aun anidando a esperpentos de categoría en sus almas, nos regalaron verdaderas maravillas artísticas radiantes de belleza. Fue por ello que necesite reflejar el lado donde estamos casi todos los artistas y lo que terminó transformando a Blue Moon en un díptico que muestra lo que no se ve de nosotros.... Y usted: ¿Que tal lleva a su monstruo? ¿Se le ha manifestado últimamente?...
He aqui un par de bocetos de 2 grandes conciertos en Madrid. En los dos aparece el gran Bebo Valdés tocando el piano. En uno de ellos se ve al Patato tocando un solo (dándole duro a sus congas y timbales) con Bebo acompañando desde la penumbra. En el otro esta Paquito con Bebo haciendo un dueto.
Pintando esta obra, descubrí, que mi interés en el arte pictórico, se centraría, de ahí en adelante, en abordar todas aquellas realidades que se sienten; pero que no se pueden ver con los ojos. Por lo tanto, este cuadro marca el inicio de mi ruptura definitiva con la pintura académica, realista y representativa.
En Blue Moon, aparece el monstruo que habita en el interior de las personas y que podemos apreciar a diario en nuestra vida cotidiana y en todos los noticieros del mundo.
En esta obra, vemos la realidad oculta de una hermosa Dama cualquiera, que en su parte monstruosa, disfruta de una música que parece invadir -tácita- todo el espacio del cuadro. Lo hace como si estuviera sumergiéndose en la belleza del arte, para escapar de la horrible realidad que le espera fuera de ese espacio soñado.
Este cuadro que quema; huele a humo; sabe a chorizo a las brasas y suena a fiesta flamenca, no es nada de eso... es solo un poco de pintura sobre una tela. Pero si usted descorcha una botella de vino y sabe esperar mientras lo mira. Llegará el momento en que podrá escuchar, dentro de su cabeza, la música que sale de esas imágenes pintadas. En cambio, lo que no le puedo asegurar, es que Ud. llegue a escuchar, normalmente, el tema "Minor Swing" de Django Reinhard y Stephane Grappelli en el reproductor de Goear. ¡Y es que eso seria un milagro!... ¡Que pena!
Aquí os dejo un par de bocetos que hice, a toda pastilla, en un concierto que dieron dos de los mejores músicos de Jazz en España: Jorge Pardo (Saxos sopranino, tenor y flauta) y el pianista Tomas San Miguel. Los bocetos están realizados con un par de lineas que salieron a bailar espontáneamente sobre el papel; taquigrafiando, de esta manera, un instante de lo que vi y senti allí.
La composición plástica de este cuadro tiene cierta analogía con un conjunto de notas musicales dispuestas sobre un pentagrama invisible. Esas notas están repartidas armónicamente por toda la superficie del lienzo sin crear zonas especificas de interés.
Vemos a simple vista a un grupo de figuras tocando sus instrumentos (trabajando) y una que no lo esta: el manager.
Los personajes habitan un espacio masificado, como si fuera el símbolo de una gran ciudad. Los músicos no tienen rostro; son seres anónimos que están incomunicados los unos de los otros. Vemos que cada cual mira hacia un lugar diferente; Sin embargo todo parece estar conectado por la atmosfera que crea la actividad (el trabajo) y la materialización del sonido que inunda el cuadro (el arte)... El resto de las interpretaciones se las dejo a Uds. Seguro que verán mas cosas que yo.
En los años 80 una nueva generación de artistas irrumpía en el cerrado y elitista mundo del arte neoyorquino. Uno de ellos era Jean-Michel Basquiat, un joven negro con ascendencia Puertoriqueña y Haitiana, nacido en el Brooklyn de Nueva York. Como pintor autodidacta, su formación artística tuvo lugar en las calles y en el metro neoyorkino, donde aprendio el oficio pintando cientos de muros y vagones de tren con botes de spray.
Su acercamiento al celebre pintor pop Andy Warhol le sirvió de trampolín para entrar en los círculos del arte, convirtiendose en manos de los avispados galeristas y marchantes en un gran negocio y en todo un símbolo, con voz, de la contracultura neoyorquina.
Basquiat, que pinto unos 900 cuadros e hizo unos 1.250 dibujos en tan solo 7 u 8 años de carrera, supo reflejar en ellos su rebeldía y su pensamiento con un lenguaje novedoso y personal que se da la mano con la pintura infantil, que en realidad es la pintura de la falta de miedos y de la verdad. La admiración que J-M Basquiat sentía por el jazz y los músicos negros quedó plasmada en muchos de sus cuadros. Su héroe mayor fue Charlie Parker, que figura en varias de sus obras; pero también hay otros, como: Miles Davis, Billie Holiday, Duke Ellington, Max Roach, Dizzy Gillespie, etc.
La obra que les presento aquí con el nombre de "Jazz" es de mi propiedad y no vale millones. Es solo la reproducción de un cuadro de J-MB que lleva una preciosa camiseta de la firma “ZARA”. La he fotografiado porque es muy representativa de su trabajo y sirve para comprobar que aun, en la actualidad, la pintura de Basquiat nos sigue provocando a muchos, un impacto visual que deslumbra por su frescura y originalidad.
Jean-Michel Basquiat murió en 1988 por una sobredosis de heroína cuando tenia 27 años y era toda una celebridad en el mundo del arte.
A los que desean tener uno de los cuadros de J-MBasquiat les aviso que tendrán que trabajar mucho y duro, porque sus obras cotizan en millones de dólares… ademas hay que apuntarse y hacer cola... A los pobres siempre nos quedará el recurso de comprarnos la camiseta que les he enseñado... y enmarcarla.
La gran Retrospectiva que el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París le dedica a Basquiat termina el 31 de este mes… Todavía tienen tiempo de ir…
Nicolas de Staël (San Petersburgo, 5 de enero de 1914 - Antibes, 16 de marzo de 1955) fue un pintor frances de origen ruso, conocido por el uso de la técnica del impasto y sus paisajes abstracto-figurativos.
La carrera pictórica de Nicolas de Staël se inicia en 1940 y abarca un rango de apenas quince años en los que produjo más de mil cuadros. Su obra muestra la influencia de Gustave Courbet, Paul Cézanne, Henri Matisse, Pablo Picasso (especialmente de los periodos azul y rosa), Georges Braque, Fernand Léger y Chaïm Soutine, así como de los maestros holandeses Rembrandt, Vermeer y Hercules Seghers. Durante los años cuarenta opta por la figuración representativa. Estas obras, en su mayor parte paisajes, bodegones y retratos, las destruiría. Mas tarde desarrolla un estilo de abstracción comparable al expresionismo abstracto estadounidense y el tachismo francés; pero su estilo es propio e independiente respecto a estos. Sus cuadros se componen de bloques de color que emergen del lienzo como si lucharan unos contra otros en la superficie del cuadro.
La obra de Nicolas de Staël fue ampliamente reconocida dentro del arte de postguerra, convirtiéndose en uno de los artistas más exitosos e influyentes de los años cincuenta. Sin embargo, en sus últimas obras se apartó de la abstracción, volviendo a la representación con formas claramente reconocibles (marinas, futbolistas, músicos de jazz, gaviotas). El regreso a la figuración durante sus últimos años de vida pueden verse como un influyente precedente para los pintores abstractos estadounidenses, que, durante la segunda mitad de la década de los cincuenta, hicieron un movimiento similar al suyo
